Communication présentée dans le cadre des Journées internationales de recherche et de pratique en pédagogie instrumentale et vocale | France – Suisse – Québec le 24 février 2017 à Genève – Haute École de Musique :  “L’utilisation des technologies dans l’apprentissage et l’enseignement instrumental et vocal” 

Jeu est un autre (2016) est le résultat des actions que j’ai pu engager depuis plusieurs années auprès du jeune public, des étudiants en musique et des pratiques amateurs. Engagement qui concerne à la fois la transmission des enjeux de la création musicale contemporaine et une démarche, plutôt personnelle, questionnant la capacité chez le compositeur à atteindre à un résultat exigeant sans s’appuyer sur la technicité et les habitus propres à son milieu.

C’est pourquoi Jeu est un autre aborde le processus de composition à partir d’un travail sur le jeu, le geste, l’écoute et la notation, dans lesquels l’utilisation des nouvelles technologies prend un sens très particulier. Il s’agit avant tout de proposer une méthode et des outils répondant aux exigences propres à toute démarche individuelle ou collective de création musicale et destinés à des jeunes ou des adultes qui n’en n’ont pas l’expérience.

Les ateliers effectués avec les élèves du conservatoire de Saint-Dié autour de l’œuvre Jeu est un autre abordent trois aspects qui me paraissent essentiels lorsque l’on envisage un projet de création dans un cadre pédagogique.

Le premier aspect consiste à intégrer dans l’œuvre proposée, dans la « partition », le processus de fabrication de l’œuvre. L’élève interprète (ou le musicien amateur) est face à un objet qui l’invite à développer son propre imaginaire. La partition de l’œuvre, pourrait-on dire, s’apparente à un manuel d’instructions, ou à une partition « générative ».  De ce point de vue l’exercice n’est pas nouveau : on peut trouver ce même principe dans un bon nombre d’œuvres dites ouvertes, comme par l’exemple les partitions graphiques de Cage, par lesquelles le musicien doit en quelque sorte structurer et parfois déterminer le matériau musical (par exemple Variations IV, composée en 1963), ou des œuvres que nous pourrions appeler « protocolaires », dont un des exemples le plus connus est Solo (1966) de Stockhausen, pièce qui peut être jouée par n’importe quel instrument mélodique.  Ces deux œuvres se présentent comme des sortes de kits de composition, avec des règles parfois complexes et assez strictes, surtout chez Stockhausen. Il ne s’agit pas à vraiment parler de pièces pédagogiques. Elles permettent néanmoins au musicien apprenti de saisir pleinement les méthodes de travail du compositeur à l’époque de leur composition, son langage, ce qui fait naturellement partie de la formation du musicien interprète. Sur ce même modèle de « kit », mais adapté à un cadre pédagogique, vous trouverez des renseignements par mon site d’une pièce intitulée Neumes (2010) que j’avais écrite pour la classe de clarinette du conservatoire de Dijon, dont le professeur est Éric Porche. La pièce s’adressait aux élèves de tous les cycles confondus. Elle a été reprise par la suite par la classe de clarinette de Béatrice Béarn au C.R.R de Clermont-Ferrand. Dans Neumes, l’élève doit fabriquer sa propre pièce en s’appuyant sur un ensemble d’objets sonores propres aux modes de jeu de son instrument, sur lesquels s’appliquent des modèles (« patterns ») structurels issus du plain chant médiéval.

Le deuxième aspect consiste dans la prise de conscience chez l’élève que le sonore est le résultat d’un geste instrumental avant d’être la production d’un objet symbolique ou prédéterminé.  Autrement dit, il s’agit de développer une gestuelle souple qui ne soit pas déterminée par un résultat « cible », tel que la justesse ou une succession de notes ou de valeurs rythmiques, mais qui permette de produire un effet sonore d’une certaine richesse, que l’élève doit pouvoir apprécier par ses qualités sonores intrinsèques et qui émane directement d’un mouvement efficace du corps.

La façon dont ce résultat sonore peut être perçu et intégré à une forme musicale concerne le troisième aspect, touchant plus directement à la thématique de ces journées, bien que je tienne à souligner qu’il est pour moi inséparable des aspects précédents. Il s’agit d’une méthode que j’expérimente régulièrement avec mes étudiants de l’ESM de Bourgogne-Franche-Comté et qui consiste à utiliser la prise de son et les traitements audionumériques que l’on peut effectuer sur elle comme une technique permettant d’« objectiver » le matériau sonore. On sait depuis les travaux de Schaeffer que le fait d’enregistrer et d’isoler les sons de leurs sources aide à percevoir ces « objets » à partir de critères autres que celui de hauteur ou la durée, par exemple la rugosité, l’espace, le timbre, le type de profil, etc. Il s’agit de fait de tout un ensemble de qualités qui définissent le matériau dans les musiques contemporaines. Ce travail sur l’enregistrement et sa la manipulation peut se prolonger avec des logiciels de mixage afin d’observer et d’expérimenter la façon dont ces objets sonores, qui peuvent être très hétérogènes, se combinent, dialoguent, et deviennent progressivement des objets composites, voire une composition.  Autrement dit, la façon dont ces enregistrements deviennent matériau musical, dès lors qu’ils font l’objet de certaines opérations.

Partant de ces trois aspects que sont les partitions « ouvertes », le geste instrumental et sa fixation sur support, voyons maintenant comment ils sont explorés dans Jeu est un autre.

Dans la partition figurent des indications suivantes sur les étapes de travail, il s‘agit de fait d’une méthodologie. Chacune des étapes décrites ci-après peut se décliner en des ateliers plus ou moins approfondis selon leur durée ou les âges et le niveau des participants.